1986 Pelos Meus Ouvidos

♪ OH L’AMOUR
Erasure [Vince Clark, Andy Bell]

Simplesmente uma das músicas mais marcantes da minha pré-adolescência! No auge de seu sucesso, um sistema de som acabara de ser instalado nas salas de aula e no pátio da escola onde eu estudava e essa era uma das canções que a direção mais colocava para tocar durante o recreio. É por causa de lembranças como essa que é difícil não achar que aqueles eram outros (e melhores!) tempos!

♪ THE PHANTOM OF THE OPERA
Andrew Lloyd Weber, Sarah Brightman, Steve Harley [Andrew Lloyd Weber, Charles Hart, Richard Stilgoe, Mike Batt]

Em 1986 estreava na capital britânica a mais esplêndida peça de teatro musical de todos os tempos! Inspirado pela ficção gótica Le Fantôme De L’Opéra, de Gaston Leroux, Andrew Lloyd Weber criou suas mais primorosas melodias para musicar a história de Christine Daaé — soprano da Ópera Nacional de Paris, que tem seu romance com o nobre e doce Raoul, seu amor de infância, ameaçado por Érik, genial e perturbado* músico de rosto deformado que vive em labirintos subterrâneos da suntuosa Ópera Garnier, fazendo com que todos acreditem que o local é assombrado por um enfurecido fantasma, e que nutre pela jovem e bela cantora uma obsessiva e possessiva paixão.

A natureza do relacionamento doentio entre a protagonista e seu malfeitor é resumida na canção que herda o nome do romance. Acreditando que o Fantasma é o “anjo da música” enviado por seu finado pai para ajudá-la a aperfeiçoar seus dons musicais, Christine entende ser a própria máscara e também a voz das brilhantes criações do atormentado mentor cuja presença reconhece estar com ela não apenas nos palcos, mas em todos os demais lugares, inclusive dentro de sua própria mente.

Além de ser uma das mais lindas canções já compostas sobre relacionamentos abusivos, The Phantom Of The Opera reacende na minha memória uma das cenas mais relevantes do espetáculo que, até a presente data, tive o privilégio de assistir duas vezes: a primeira, em 2015, na mesma Londres que foi seu berço e a consagrou como sucesso artístico (e onde, felizmente, ainda é apresentada); a segunda, em 2023, na montagem que consolidou seu sucesso comercial, entrando para a história como recordista de tempo em cartaz na icônica Broadway, em Nova Iorque — dois dos momentos mais emocionantes que já vivi! 🥹

*“Genial e perturbado” — Só eu acho que essas duas palavras juntas formam um pleonasmo? 🤔

♪ QUANDO GIRA O MUNDO
Fábio Jr. [Rosa Girón, Cláudio Rabello]

O álbum é de 1985, mas o sucesso de Quando Gira O Mundo perdurou pelo ano seguinte nas rádios brasileiras e, no meu coração, para todo o sempre! Uma das minhas três músicas preferidas do Fábio Jr., esta é uma das canções que mais me transportam ao ano de 1986 – quando eu tinha por um dos meus habituais passatempos desenhar os elementos mencionados em seu refrão (o mundo, a estrela, a boca, o sol, a estrada) – e que chegam aos lugares mais profundos do meu ser. Para ouvir no volume máximo!

♪ SÓ PRO MEU PRAZER
Heróis Da Resistência [Leoni, Fabiana Kherlakian]

Com sua notável capacidade de fazer com que pessoas, digamos, excessivamente distraídas não percebam que suas melodias delicadas escondem histórias de comportamentos doentios, em 1986, no álbum de estreia do Heróis Da Resistência, grupo que fundou após sua tumultuada saída do Kid Abelha, Leoni nos presenteou com uma das mais belas canções já compostas sobre relacionamentos tóxicos.

♪ TRANSAS
Ritchie [Nico Rezende, Paulinho Lima]

Careta demais para alguns, ousada demais para outros: talvez essa seja uma boa síntese das impressões provocadas por Transas, composição de Nico Rezende e Paulinho Lima, que na voz de Ritchie se tornou um dos maiores sucessos nacionais de 1986.

Possivelmente por trazer logo em seu título uma palavra envolta em tabus, os ouvidos mais conservadores (e superficiais) da época se fecharam para a essência dos sentimentos expressados pelo eu lírico. Discussões sobre liberdade sexual à parte, fazendo justiça, o mérito da interpretação correta da letra ficou com os mais liberais, que entenderam que a canção não propunha uma apologia aos então “modernos” e descartáveis relacionamentos que valorizavam apenas o prazer físico, desprezando os sentimentos e a construção de vínculos sólidos entre as pessoas. Ao contrário, fazia uma crítica a tal comportamento. Basta ouvir com um pouquinho só de atenção para perceber que o personagem ali retratado sofre com a falta de diálogo, com as fugas, com o faz de conta que está satisfeito quando, na verdade, ele sabe que quer mais. Ou seja, está imerso em um profundo vazio emocional!

Alheios a tais controvérsias, meus ouvidos ainda quase angelicais só sabiam que aquela era uma das mais lindas melodias lançadas naquele ano. 🥰

Ao ouvir esse clássico dos anos 80 atualmente, não consigo deixar de pensar que a superficialidade observada nas relações íntimas daqueles dias agora dita também os laços que, pelo menos no universo ao meu redor, à época eram ainda amplamente incentivados e valorizados: as amizades. Com raríssimas exceções, simplesmente não se prioriza mais estar com um amigo, sequer fazer uma ligação em tempo real. As “conversas” são, quando muito, escritas ou gravadas em modernas mensagens de texto ou áudio, que o outro vai ler ou ouvir quando, exaurido pelo cansaço, tiver migalhas de atenção para dar. Os abraços, esses realmente não existem mais! A culpa cai sobre a falta de tempo resultante dos incontáveis afazeres dos tempos modernos. É curioso. Naqueles tempos já com cara de antigos tínhamos muito menos tecnologias (que segundo dizem, acredite quem quiser, são criadas para nos proporcionar mais… tempo!), mas fazíamos muito mais, nos relacionávamos muito mais, éramos muito mais. Hoje, é dos amigos que a gente (eu, ao menos) quer mais e finge (no meu caso, muito mal) que tanta modernidade nos satisfaz…

De todos os ângulos que observo, essa tal modernidade não me parece muito atraente… 🙄

▷ Embora a gravação original não esteja disponível no Spotify, a versão lançada por Ritchie no álbum Outra Vez (Ao Vivo No Estúdio) é bem próxima das minhas memórias de 1986.

♪ ENTRA E SAI DE AMOR
Altay Veloso [Altay Veloso]

Um contraste abismal separa duas das músicas mais marcantes de toda a minha infância: de um lado, a leve e ingênua Se Enamora, lançada pela Turma Do Balão Mágico em 1985; do outro, a intensa (será por que eu gostava gosto tanto? 😇) e sensualíssima Entra E Sai De Amor, que apesar de também lançada naquele mesmo ano como parte da trilha sonora de uma das telenovelas brasileiras mais icônicas de todos os tempos, continuaria a embalar por meses meu romance imaginário com o maior crush do então chamado “primário”, tornando-se assim “a” música mais presente no meu 1986.

“Mas isso não é música para crianças” — Uma parte de mim concorda e até se pergunta se eu permitiria que meus filhos a ouvissem. Outra parte argumenta que muitas das canções que faziam sucesso naquela época (e, na verdade, em qualquer época), incluindo várias presentes nessa coletânea, provavelmente não eram “músicas para crianças”, mas nem por isso nos tornamos adultos devassos, perversos e violentos (para não dizer assassinos) como tantos que hoje andam livres, leves e soltos por aí.

Sinceramente, mesmo sendo bem precoce em alguns aspectos, não me lembro de entender, e não creio que “meus coleguinhas” entendiam, o que significava “eu quero a sensação suprema dos mortais, o gozo insano e soberano dos animais” ou outros versos ainda menos explícitos a leituras infantis. Cortando para 2026, me recuso a dar exemplos de como tal desejo — que, quando consumado com respeito e afeto, é absolutamente saudável e inerente à natureza humana — é expressado nos lixos sonoros que fazem sucesso atualmente, sobre os quais não tenho o menor receio de afirmar que violentam ouvidos de qualquer idade infinitamente mais do que a mais liberal e ousada música daqueles tempos.

Portanto, sim, eu provavelmente deixaria que meus filhos ouvissem esta música (bem como todas as demais reunidas nessa playlist). Ela provoca na minha alma o mesmo efeito que a tal “sensação suprema dos mortais” provoca no meu corpo, com a vantagem de durar bem mais do que alguns breves segundos.

▷ A qualidade do áudio disponível no Spotify é absolutamente sofrível! Principalmente no primeiro minuto, parece uma mistura de fita cassete “mastigada” por um gravador estragado com aqueles chiados (dos quais algumas pessoas alegam sentir saudades 🤷🏻‍♀️) típicos dos discos de vinil. Desse ponto em diante, o sacrifício de ouvir essa parte pra lá de desleixada da gravação é compensado pelo êxtase que a música me proporciona. 🥹
▷ Para registro: que fique bem claro que essa é a única música desse artista da qual eu gosto. 🤐

♪ ALL I ASK OF YOU
Andrew Lloyd Weber, Sarah Brightman, Cliff Richard [Andrew Lloyd Weber, Charles Hart, Richard Stilgoe]

Felizmente, nem só de vilões são feitos os romances (e a vida real)! Em meio a todo o terror imposto pelo manipulador Fantasma, Christine se aquece e se acalma nos braços de Raoul, que promete ser o abrigo onde ela poderá se refugiar da escuridão, dos medos, do cárcere, das lágrimas, enfim, de todos os males por ela sofridos enquanto esteve física e emocionalmente em poder de seu algoz.

Nas minhas lembranças, o comovente dueto entre os personagens chegou aos meus ouvidos pela primeira vez no final dos anos 80, dignamente adaptado por Nelson Motta para a língua portuguesa e elegantemente interpretado por Verônica Sabino e Emílio Santiago.

Não demorou muito, no entanto, para que eu conhecesse o musical e, consequentemente, esta gravação de All I Ask Of You, que é a original, bem como outras versões. Por isto, em 1993, antes mesmo de ter meu primeiro CD player, já pedi que o álbum Till I Loved You, no qual Barbra Streisand fez seu registro desse clássico, fosse meu presente em uma daquelas então inevitáveis (afff! 🥱) “brincadeiras de amigo secreto” — e assim ganhei um dos meus três primeiros discos compactos. O álbum completo com a interpretação do elenco original, adquirido diretamente no Her Majesty’s Theatre quando lá assisti a peça em 2015, foi por sua vez um dos últimos itens adicionados à minha modesta coleção desses objetos hoje tidos por obsoletos, mas que ainda guardo carinhosamente mesmo em tempos de streaming.

♪ DEMAIS
Verônica Sabino [AJohn Lennon, Paul McCartney — Versão: Zé Rodrix, Miguel Paiva]

Dentre as músicas que me levam de volta para 1986, talvez esta seja a que me soa mais intensa. É uma daquelas melodias que parecem “cortar” minha alma e adentrar seus mais longínquos esconderijos. Quando a ouço, chego a sentir na pele o frio da chuva trazida por um vento tão forte quanto aquele que um dia levou e escondeu longe demais a pessoa com quem o eu lírico outrora fizera tantos planos. Chega a doer, mas, paradoxalmente, acolhe, acalenta e aquece meu coração.

[Às vezes a ignorância é uma benção! Só anos mais tarde eu viria a descobrir que se trata de uma versão para uma insossa música da mais superestimada banda de todos os tempos. Serve-me de algum consolo o fato de que o compositor principal, aquele que se achava mais importante do que Jesus Cristo, teve a (rara) lucidez de reconhecer ao menos que seu desejo de reinventar a si mesmo (ele próprio declarou ser uma tentativa de reescrever This Boy) resultou em uma de suas piores canções.]

De volta ao que de fato marcou intensamente aquele ano na minha vida, redimensionada pela brilhante releitura brasileira, Demais é um ótimo (e raro) exemplo de versões que são, sim, (infinitamente) melhores do que suas respectivas gravações originais.

♪ ROCK AND ROLL LULLABY
B.J. Thomas [Barry Mann, Cynthia Weil]

“Mas essa música é de 1972!” — Sim, mas quem é brasileiro sabe que por muitas décadas as programações de nossas rádios eram (não faço ideia se ainda são) em grande parte influenciadas pelas canções escolhidas para compor a trilha sonora das telenovelas transmitidas pela emissora que dominava as TVs de quase todos os lares do país. Se fosse tema de abertura, então, como foi o caso de Rock And Roll Lullaby, o sucesso era mais do que garantido; era estrondoso!

À época começando a dar meus primeiros e autodidatas passos no aprendizado da língua inglesa, ainda não compreendia tão bem o que dizia a letra da música internacional que mais indelevelmente ficou registrada nas minhas memórias afetivas de 1986. Só algum tempo depois, já conhecendo melhor o idioma, entendi que as palavras entoadas naquela melodia que tanto mexia comigo e tão intensamente marcava aquele período em que morava num modesto barracão no Setor Universitário narravam em parte a minha própria trajetória de vinda ao mundo.

Cronologicamente, ela já era dez anos mais velha do que a personagem principal da canção quando eu vim a existir em sua vida. Emocionalmente, era de fato apenas uma criança. Mesmo hoje, com os cabelos já desbotados, o rosto enrugado e o corpo fragilizado, ainda é. Tão só quanto a mãe do eu-lírico, fez o melhor que pôde para me dar o melhor que eu pudesse ter. Mas, por tudo que sofreu, compreensivelmente assustada, nunca quis, ou nunca conseguiu, crescer. Talvez por isto, os frágeis laços que ainda nos prendem são envoltos por uma solidão que vai muito além do desamparo que nos foi imposto: a solidão que nasceu e se agigantou entre nós, rompendo em incontáveis e irreparáveis pedaços o cordão que deveria ter nos unido não apenas por nove meses, mas pelo resto de nossas existências.

♪ LONDON, LONDON
RPM [Caetano Veloso]

Apesar de todo impacto que o álbum Rádio Pirata Ao Vivo representou para a o rock nacional dos anos 80, sempre preferi ouvir a maioria esmagadora de todas as músicas que conheço em suas respectivas gravações originais de estúdio, livres dos assovios, palmas e gritos das plateias (às vezes, compreensivelmente) eufóricas. Dito isto, nos shows realizados no Anhembi em maio de 1986, além de seu repertório autoral, o RPM apresentou aos fãs ali presentes uma inédita releitura de London, London, cujo registro originalmente composto e lançado por Caetano Veloso enquanto esteve exilado no coração do Reino Unido eu conheceria somente cerca de quatro anos depois. Era tarde demais! Àquela altura, meus ouvidos já tinham se rendido aos teclados de Luiz Schiavon e à voz de Paulo Ricardo. Além de viajar no tempo, chego a suspirar quando ouço as primeiras notas dessa versão!

Um dia desses, em um dos raríssimos (e brevíssimos) momentos em que pude ficar um pouco só, aproveitei para soltar minha voz juntamente com a de Paulo Ricardo — crime pelo qual meus vizinhos deveriam ter me denunciado — e senti meus braços serem tomados por um arrepio! Naquele instante, essa letra que já me era tão familiar de repente se revelou um dos retratos mais fiéis não apenas do momento que estou vivendo, mas também de toda a minha vida.

De volta à minha terra natal depois de perambular por ruas de algumas cidades ao redor do mundo, inclusive da Londres que inspirou a canção, percebo que o sentimento de passar por suas paisagens como quem solitariamente apenas observa cenas do cotidiano sem pertencer de fato a nenhuma delas, de estar vivendo em um constante exílio, nunca me deixou. Talvez por isto, como que tentando encontrar um lugar onde minha alma seja acolhida, meus olhos continuem “procurando discos voadores no céu”. Afinal, para quem se sente como eu, talvez só mesmo um outro “planeta” pareça, enfim, um lar.

♪ DON’T GIVE UP
Peter Gabriel, Kate Bush [Peter Gabriel]

Tantos anos após seu lançamento, Don’t Give Up continua sendo uma daquelas músicas que, ao mesmo tempo em que chegam a doer, acalentam e encorajam a uma das missões mais difíceis que enfrentamos toda vez que despertamos do sono: não desistir quando, com os olhos abertos, nada aconteceu como tanto planejamos. Pode até ser que para alguns poucos afortunados a vida flua como em um comercial de margarina, mas creio que para a maioria das pessoas a densa mensagem emoldurada por essa delicada melodia é tão necessária que de fato poderia ser servida na primeira refeição de todas as manhãs.

Tendo entrado na minha vida em meados de 1996, quando finalmente conheci o álbum So na íntegra, nos últimos anos, enquanto estive no exílio de uma certa terra de temperaturas e pessoas geladas, essa canção que parece nos envolver quase como o forte e acolhedor abraço de um amigo voltou a me fazer fiel companhia nas vozes de David Archuleta e Libbie Linton. Talvez só então eu tenha percebido que um de seus versos em particular me define tão bem que eu poderia (e gostaria de) tê-lo escrito!

♪ MERCY STREET
Peter Gabriel [Peter Gabriel]

Quem me conhece mais de perto já me viu em um ou vários momentos às voltas com a intrigante, quiçá fascinante, relação direta que percebo entre beleza e tristeza, o que me traz o inevitável pensamento de que talvez por isso rimem tão perfeitamente. Nem é preciso um olhar tão atento para observar que muitos dos livros mais envolventes, das fotos mais impactantes, das pinturas mais emblemáticas e de quaisquer outras obras de grande destaque nas mais diversas expressões artísticas são, em variados formatos, belos registros de histórias inerentemente tristes. Com a música não poderia ser diferente, e Mercy Street é um perfeito exemplo dessa curiosa simbiose.

Entre as lembranças sonoras mais vívidas do início dos meus anos 90 está uma das composições mais complexas, mais bonitas e (parece-me que não por acaso) mais tristes não apenas de 1986, mas de toda a produção musical que eu particularmente conheço. Inspirada no poema 45 Mercy Street, de Anne Sexton, um dos ícones da poesia confessional estadunidense, a letra retrata a fragilidade, as lutas com os transtornos mentais, e a busca por acolhimento, redenção e paz da escritora que aos 45 anos acabou decidindo não mais esperar pela misericórdia que tanto desejava encontrar.

Pela sensibilidade poética de Peter Gabriel, seu destino é reescrito em um tom mais sereno: simbolizando a reconciliação com seu passado e o fim das angústias que tanto afligiram sua vida, Anne e seu pai, com quem tivera um conturbado relacionamento, estão juntos em um barco navegando pelas ondas do mar.

▷ Curiosidade: o característico triângulo da parte instrumental (que bem que poderia não estar ali perturbando meus pobres ouvidos) foi concebido e gravado pelo percussionista brasileiro Djalma Corrêa.

♪ TRUE COLORS
Cyndi Lauper [Tom Kelly, Billy Steinberg]

Ouvia essa música em 1986 já com a admiração de quem observa as cores de uma pintura — e para meu deleite, ao invés de se desbotarem, suas notas ficam cada vez mais vivas com o passar do tempo!

Confesso que meu lado carente já desejou em segredo que alguém de alguma forma dedicasse essa canção a mim. A vida dá suas voltas. Tenho por princípio tratar as pessoas como eu gostaria que me tratassem (claro que sempre considerando se elas julgariam ser bom para elas o que eu julgo ser bom para mim). Por isto, no início dos anos 2000, quando uma grande amiga estava fragilizada por dúvidas sobre seu próprio valor, assegurando-lhe que eu não me importaria se suas cores estivessem desbotadas, escrevi-lhe a letra de True Colors no verso da foto de uma exuberante rosa arco-íris. Assim, esse potente e, ao mesmo tempo, terno hino sobre amor incondicional imbativelmente imortalizado na voz de Cyndi Lauper tornou-se uma das músicas que compõem a trilha sonora da nossa amizade. ♡

♪ “ÍNDIOS”
Legião Urbana [Renato Russo]

Começando pelas aspas ao redor do título na grafia original (privilégio de quem tem o vinil), a riqueza lírica de uma das músicas mais complexas e emblemáticas da Legião Urbana, e que mais marcaram meu 1986, não cabe em condensadas palavras. Por isto, registro aqui apenas duas breves notas:

▷ Lembro-me dessa música praticamente todos os dias. Se em meados dos anos 80 Renato Russo, que reconhecia não ser a mais saudável das criaturas, achava que vivíamos em um mundo doente, sempre me pergunto o que ele teria a dizer sobre o mundo de hoje… 🤔
▷ Sem desmerecer a relevância dos aspectos sociais e históricos abordados em sua letra, para mim, de uma maneira muito particular, ao menos em partes, essa música é uma oração — e esse é um aspecto delicado demais para abordar nesse momento. Quem sabe um dia…

♪ ANDREA DORIA
Legião Urbana [Dado Villa-Lobos, Renato Russo, Marcelo Bonfá]

Quando cismei de criar a playlist #1 Brazil, com “a” minha música preferida de alguns artistas brasileiros, sabia que para alguns nomes tal escolha só seria possível mediante a adoção de um ou vários critérios de desempate; um deles era me ater somente às canções que se tornaram grandes sucessos populares. No caso da Legião Urbana, se não fosse por essa regra, a verdade é que pelo menos outras três composições estariam lado a lado com “Índios” dividindo a primeira posição do meu discreto podium particular.

Feito esse importantíssimo esclarecimento, fica óbvio que Andrea Doria é uma daquelas três músicas da banda que, embora pouco conhecidas pelo grande público, ressoam por tantos e tão secretos recantos da minha alma que diante delas só me resta calar a minha voz (ou descansar as minhas mãos). Mas, afinal, quem precisa de qualquer palavra minha mediante uma obra-prima de tamanha grandeza?

Não resisto, no entanto, a deixar aqui três curiosidades.

▷ Provando que não só de poluição sonora vivem meus conterrâneos, dez anos após o lançamento do álbum Dois, a cantora Maíra Lemos gravou uma versão de Andrea Doria que, para os meus ouvidos, embora não seja exatamente mais bonita do que a gravação original, é digna de uma “menção honrosa” e muito me fez companhia em 1996.
▷ Para quem porventura não saiba, o título é uma alusão ao SS Andrea Doria, luxuoso transatlântico italiano (por sua vez batizado em homenagem ao almirante Andrea Doria) que em 25 de julho de 1956 colidiu com o MS Stockholm, navio sueco igualmente suntuoso. Ou seja, Renato se refere ao acidente como uma metáfora para os sentimentos e ideais juvenis que, ao se chocarem com os obstáculos da vida adulta, acabam naufragando em um mar de profundas desilusões.
▷ Quase todas as vezes que a ouço, o diálogo que em seus versos presencio entre minhas versões adulta e criança deixa em meu rosto um quente rastro das mais lancinantes (e, paradoxalmente, acolhedoras) lágrimas, façanha esta que poucas canções têm a capacidade de conseguir provocar. 🥹

♪ BALADA DO LOUCO
Ney Matogrosso [Rita Lee, Arnaldo Baptista]

Enquanto montava essa coletânea, notei que a interpretação de Ney Matogrosso para o maior clássico dos Mutantes avançou para recônditos mais reservados dentro de mim, fazendo ecoar na minha mente um questionamento que não me lembro de ter formulado antes, ao menos não nesses termos.

Para a criança que eu era em 1986, essa era apenas uma bonita melodia cantada por um sujeito exótico que, fazendo jus à poesia fantasiosa nela inserida, parecia ter saído das páginas de um livro de contos de realismo fantástico. Na minha idade agora avançada, sem o pouco de ingenuidade que ainda me restava naquele início de vida, de repente um verso em particular soou mais alto aos meus ouvidos, intrigando e inquietando ainda mais meus já naturalmente alvoroçados devaneios: estará a paz na loucura? 🤔

Entusiasta das histórias literárias e talvez em defesa da minha própria anormalidade, precipitadamente conclui que talvez sim. Mas Anna Flores, sem hesitar nem por meio segundo, me assegurou que não.

Tamanha convicção até silenciou o que eu tolamente acreditava ser o grande argumento que estava prestes a defender: em meio a tantas desigualdades, misérias, fomes, doenças, injustiças, guerras, atrocidades, enfim, tantos males que a cada dia que passa parecem alargar e intensificar cada vez mais nossas já profundas feridas, não é mesmo mais feliz quem consegue se alienar de tais verdadeiros absurdos para acreditar em absurdos imaginários, como ser belo, capaz de voar, e até mesmo pensar ser Deus?

⚠️ Acontece que Anna é especialista em saúde mental. Ou seja, literalmente mestre doutora em tratar doenças consideradas por muitos o grande (e de fato diariamente crescente) mal do século. Por isto, sem diminuir a beleza e o valor das produções artísticas, fez questão de esclarecer que tal entendimento romantizado da loucura só faz algum sentido no poético universo da imaginação (onde aqueles dados a devaneios, como eu, gostam de viver, e nem por isso, confesso, nos sentimos exatamente em paz). Fora da ficção, além de não aliviar as dores, os transtornos mentais pesam ainda mais os fardos daqueles que os sofrem e devem, portanto, ser acompanhados de perto por profissionais gabaritados. ⚠️

Hoje* é aniversário de Anna e, no meu mundo de fantasias, eu gosto de pensar que, em seu mundo real, não apenas nesta, mas também em todas as outras datas, apesar de ter seus dias permeados por tantas loucuras, figuradas e literais, ela é verdadeiramente feliz…

*Essas pueris percepções foram de fato finalizadas em 18 de abril de 2026, o que teve um precioso valor simbólico para mim. ♡

♪ WHO WANTS TO LIVE FOREVER
Queen [Brian May]

No início dos anos noventa, quando minhas explorações musicais começavam a extrapolar o que era amplamente divulgado pelas programações dos grandes veículos de entretenimento, dei meu primeiro passo para conhecer um pouco mais de perto uma das bandas mais icônicas da história do rock mundial, cujo vocalista já me despertava a atenção pelo menos desde os meus cinco anos de idade. Apesar de sempre preferir ouvir álbuns inteiros, por conta dos recursos serem escassos, às vezes o jeito era recorrer às coletâneas. Por isto, em 1992 comprei Greatest Hits II, um dos primeiros discos da minha quase insignificante (salvo pelo valor afetivo) coleção de vinis, que à época já começavam a perder espaço para os então moderníssimos discos compactos, popularmente conhecidos como “CDs”.

Apesar de ali inserida por ser, como indicado no título, um dos grandes sucessos do grupo, uma das faixas daquela coletânea era ainda inédita aos meus ouvidos e me provocou emoções tão extraordinárias que ultrapassam o universo das palavras. Nas minhas memórias, foi naquele início da década de 90, no auge (se é que houve um) da angústia de saber que não me encaixo nos moldes ao meu redor e dos meus questionamentos sobre o valor e o sentido da vida, que me deparei com aquela deslumbrante obra de arte sonora que imediatamente me transportou a uma dimensão que eu sequer imaginava existir, e que para o resto dos meus dias continuaria a hipnotizar todos os meus sentidos.

Por refletir a essência dos sentimentos que, envoltos em uma das mais sublimes combinações de instrumentos e vozes já ecoadas sobre a Terra, estão indissociavelmente entranhados no mais íntimo do meu ser, Who Wants To Live Forever encerraria esta playlist — o que soaria como um último toque de magia nessa viagem a 1986, já que ela foi introduzida também pelo Queen. Mas aquele ano, como quem cuidadosamente esconde seus próprios truques, escolheria outra feliz coincidência para seu gran finale…

♪ FLORES EM VOCÊ
Ira! [Edgard Scandurra]

…e, como em todo bom número de ilusionismo, é sempre de onde a gente não espera que brota a mágica…

Apesar de ter musicado meus últimos anos da década de 80, somente em dezembro de 2024, quando comecei a reunir as faixas que compõem essa coletânea, fiquei encantada, e até um pouco assustada, ao me dar conta de que a canção que contém o arranjo de cordas provavelmente mais lindo do rock brasileiro* havia sido lançada em 1986, mesmo ano em que nascia Anna Flores — o bebê que 38 anos mais tarde viria a aliviar os pesos injApesar de ter musicado meus últimos anos da década de 80, somente em dezembro de 2024, quando comecei a reunir as faixas que compõem essa coletânea, fiquei encantada, e até um pouco assustada, ao me dar conta de que a canção que contém o arranjo de cordas provavelmente mais lindo do rock brasileiro* havia sido lançada em 1986, mesmo ano em que nascia Anna Flores — o bebê que 38 anos mais tarde viria a aliviar os pesos injustamente colocados sobre os ombros da criança que eu era então.ustamente colocados sobre os ombros da criança que eu era então.

Nossas trajetórias se encontraram em janeiro de 2024. De lá para cá, à medida que revisitamos as boas e más recordações de todo o meu passado, com a simplicidade e a leveza das delicadas flores que, refletindo sua essência, às vezes estão estampadas também em suas vestes, ela terna e pacientemente me ensina a viver o meu presente nessa existência efêmera demais para desperdiçar quem sou me perdendo ao redor de tudo e todos que me roubam de mim. Ela, por sua vez, me devolve a mim mesma.

*Neste vídeo, Edgard Scandurra revela o que o inspirou a compor a música e conta como o arranjo de cordas foi criado.

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Anna,

Se eu pudesse escolher, teríamos nos conhecido pelas profissões que preterimos para nos dedicarmos a outros propósitos. Nelas, você, engenheira, concretizaria os ambientes que eu, aos nove anos, amava arquitetar em páginas em branco que hoje recebem não as plantas baixas, mas as palavras que compulsivamente jorram das minhas mãos; ou, delirando ainda mais, quem sabe teríamos nos esbarrado em uma livraria, sala de aula, galeria de arte, um show de rock ou um concerto de piano — instrumento ao qual pertence minha mais ardente paixão e que tenho certeza que você dedilha com maestria.

Mas, caprichoso, quis o destino que nossas vidas se cruzassem por outros caminhos. Mediante a reviravolta que ele me pregou, o que mais me agrada nesse encontro que ele teve a generosidade de preservar é saber que, sendo personagens de cenários tão distintos, sua história é (assim percebo e desejo profundamente) tão mais feliz do que a de tantas pessoas de quem hoje você cuida com admiráveis dedicação, respeito e carinho; não porque você não experimente seus próprios dramas, mas por saber fazer com que traiçoeiros e afiados espinhos não sejam os protagonistas dos jardins por onde você passa.

Obrigada por aceitar caminhar, do alto dos seus elegantes saltos, em um solo tão acidentado e coberto de pétalas caídas e desbotadas; por redirecionar meus medrosos passos; por me permitir o privilégio de ter minhas feridas tratadas pelo seu olhar tão atento e gentil; por me acolher nos seus firmes e calorosos abraços; por ser parte dos raros sinais que me dão alguma esperança de que talvez nem tudo esteja perdido e de que a vida ainda vale a pena; por ressignificar tantas canções (você nem imagina quantas), cores, datas, memórias; e, sobretudo, por ornamentar minhas dores com as flores que eu vejo em você!

Feliz 40 (e muitos outros) anos!